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'The man who sold the world' (avril 71), 'Hunky Dory' (Décembre 71) et '...Ziggy Stardust' (juin 72) : trois albums d'anthologie en à peine plus d'un an ! Epoque bénie de création frénétique pour David Bowie, assisté dans son art par deux personnages essentiels : l'excellent producteur Tony Visconti et le formidable guitariste-arrangeur Mick Ronson.

Frénétique est d’ailleurs un faible mot , si on considère que sur la même période, Bowie offrira le magnifique tube All the young dudes au groupe Mott the Hoople (juillet 72), produira (avec Ronson) le mythique "doo-doo-doo-walk-on-the-wild-side" "Transformer" de Lou Reed (décembre 72), préparera son prochain chef d’œuvre ("Aladdin Sane" qui sortira en avril 73) en même temps qu'un album de reprises ("Pin-Ups" sorti en octobre 73), collaborera à une quantité de projets musicaux et même à une sorte de mascarade sous le nom d’Arnold Corn.

Mais revenons à notre histoire. Car c’est bien d’une histoire dont il s’agit. 'The rise and the fall…' est ce qu’on appelle un album concept : une suite de chansons qui se tiennent à peu près toutes autour d’un fil conducteur. Dans notre cas et littéralement, la montée et la redescente de Ziggy Poussièredétoile et de ses Araignées martiennes. Ziggy étant une rock star (tiens tiens) et les Araignées son groupe.

Mis à part ça, la signification précise des paroles des chansons échappe encore de nos jours à l’ensemble des analystes. David Bowie écrit sous forme d’images, d’impressions, de sensations ; des bouts de phrases qui valent plus pour leur son et leur couleur que pour leur sens précis. On pourra qualifier l’ensemble de tragédie rock sur fond d’apocalypse (thème récurrent chez Bowie. Five years : c’était selon lui le temps qu’il nous restait à vivre à l’époque. La date fatidique sera ensuite repoussée à 1984 dans l’album "Diamond Dogs", puis il abandonnera ses macabres prédictions, sûrement par crainte d’un ridicule troisième échec).

Par ailleurs, la notion de concept déborde même sur tout un univers où Bowie se confond avec Ziggy, personnage androgyne, complètement fabriqué, des cheveux orange aux platform shoes, du maquillage outrancier aux vêtements à paillettes : caricature du star system, de la rock star bouffée par son public (le tragique destin de Vince Taylor aurait servi de modèle), nourri de Marc Bolan et d’Alice Cooper, notre drôle de Zig’ s’installe par la force sur le trône très convoité de roi du glam rock. Comble du tragique : David Bowie tombera lui-même dans le piège qu’il avait décrit, sur scène et dans la vie, au point de devoir saborder (sur scène, à Londres, le 3 juillet 73) son personnage et son groupe pour en sortir.

Ce groupe, emmené par Mick Ronson, qui atteint la perfection : un son qui claque nerveusement, rapide, riche ; le fabuleux jeu de basse de Trevor Bolder, la précision de la batterie, tout en cymbales, de Woody Woodmansey rehaussés d'envolées orchestrales et de saxophone free (avec Bowie lui-même à l'anche) imposent un rythme et une ambiance à couper le souffle. Et c’est presque avec soulagement, comme à la fin d’un tour de grand huit, qu’on pleure sur la poignante issue fatale du héros déchu, abandonné de tous, qui se rock’n’roll suicide devant nos yeux ébahis.

Systématiquement catalogué comme l’un des plus grands albums de tous les temps, Ziggy Stardust... est sûrement, en tout cas et qu’on le veuille ou non, l’œuvre maîtresse qui a happé la majorité des fans de David Bowie avant de les canaliser vers la multitude d’autres sources de bonheur qui irradient la majorité de son œuvre.

Si vous en êtes toujours vierge, il est encore temps de prendre un ticket...quarante ans pile plus (mais jamais trop) tard...

La force d’un point de vue féminin au XVIIe siècle.

Artemisia Gentileschi est une artiste. L'exposition la suit au travers de ses voyages, de Naples à Rome en passant par Florence. Dès l’entrée dans le musée Maillol de Paris, la force des sujets et des thèmes représentés frappe l’œil du visiteur.Suzanne et les vieillards prévient le visiteur, pas de silence, de fuite, d’acceptation ou de renoncement. La femme choisit.

Ici, la femme refuse les avances des deux vieillards comme la Nymphe Corisca échappe théâtralement par la ruse au puissant Satyre. Les vieillards la font accuser d’adultère mais défendue durant le procès elle est innocentée et les vieillards sont condamnés. La prise de risque de cette décision est assumée, comme le style et les expressions picturales d’une étonnante justesse. Le bleu lapis-lazuli des tissus annonce la couleur du reste de l’exposition. Le bleu éclatant de lumière réapparaîtra dans plusieurs autres œuvres marquantes. Superbe peinture sur pierre du père d’Artemisia, le David méditant devant la tête de Goliath, injecté de bleu outre-mer lapi-lazuli est à vous couper le souffle.

Le choix des thématiques peintes met en scène la femme en position centrale avec à chaque fois une audace érotique qui éveille. Bethsabée au Bain resplendit, tourne le dos à David et choisit de se montrer au spectateur. En embuscade, la passion extrême veille, pouvant entraîner la femme jusqu’à la mort. Plusieurs Cléopâtre sont exposées. Cléopâtre humiliée préfère mourir que d’accepter l’échec amoureux. La femme impudique s’expose nue à la mort sur une étoffe rouge dans un cas ou allongée morte dans une étoffe bleue, dans l’autre cas. L’aspic est présent. Le bleu somptueux se heurte à la couleur blanchâtre de la peau.

Les corps des femmes plantureuses sont offerts à l’œil du visiteur dans des postures et des angles de vue inhabituels. Les inclinaisons des têtes donnent aux visages une fragilité, une attitude pensive, lunaire comme dans la Madeleine pénitente. Appuyée sur une tête de mort, la femme telle une Hamlet s’évade de la toile. Une Cléopâtre assise et mélancolique plonge dans une méditation tragique, aspic dans la main. Danaé s’abandonne à Zeus qui apparaît sous une pluie d’or et la féconde. Artemisia va jusqu’à peindre les pièces d’or sur le pubis de Danaé. L’œuvre est tout simplement magnifique.

Mais la femme comme l’homme sait tuer. La violence de cette humanité interroge. L’homme est aussi la proie de la femme. Yaël assassine Sisera avec un piquet de tente enfoncé dans la tempe, Dalila coupe, en présence de sa servante, les cheveux de Samson endormi. Judith décapite Holopherne avec l’aide de sa servante pour sauver sa ville. Elles sont peintes durant l’exécution ou avec la tête du général assyrien au sol - Judith et sa servante Abra avec la tête d’Holopherne .

Par ces choix thématiques et mythologiques, Artemisia Gentileschi dévoile une peinture puissante et une esthétique particulière où la femme joue un rôle phare. Entre séduction et machiavélisme, l’exposition montre finalement une femme sachant déjouer les pièges des hommes avec une volonté farouche. Avec un talent pictural évident, Artemisia méritait sans aucun doute ce nouvel éclairage.

Une exposition exceptionnelle à ne manquer sous aucun prétexte.

http://www.museemaillol.com/

 

Sébastien Mounié © Etat-critique.com - 03/05/2012

Jusqu'au 15 juillet 2012 MUSEE MAILLOL, PARIS. Horaires d'ouverture de 10h30 à 19h00. Vente des billets jusqu'à 18h15 Nocturne le vendredi jusqu'à 21h30. Vente des billets jusqu'à 20h45. Ouvert tous les jours, même le mardi et les jours fériés

Hommage à un audacieux inconnu : Jonas Netter

 

 

 

Jonas Netter est inconnu du grand public. Collectionneur et complice du marchand d’art Zborowski, son regard et son soutien ont été primordiaux pour la révélation d’artistes tels que Modigliani ou encore Soutine, mal-aimé de la famille Zborowski. Ses œuvres sont exposées à la Pinacothèque de Paris pour le plaisir des yeux et une bascule historique dans le Montparnasse du début du XXe siècle. Ce tournant esthétique qui n’en finit pas ces derniers mois d’exposer à Paris ces artistes fondateurs de l’art moderne – l’aventure des Stein, Matisse, Munch-  et d’un nouveau métier devenu à la mode : marchand d’art. Netter est de ceux-la, comme Paul Guillaume, Boucher, les Stein, Barnes, Kahnweiler. Marchand d’art, collectionneur ou mécène ? Le lien complexe qui unit l’artiste à son mécène humaniste ou riche argentier n’a pas fini de faire couler de l’encre.

Outre les toiles présentées, l’exposition offre l’avantage de reproduire quelques échanges épistolaires entre les artistes et leur commanditaire, mécène et marchand-collectionneur. Le revers de la médaille n’est pas reluisant. Si Modigliani peint un superbe portrait de Zborowski, hâbleur et séducteur dans l’âme, la nature de la relation ne fait guère illusion. Une relation de servitude maître-valet qui dénature largement la beauté du portrait du marchand, peu scrupuleux et fantasque. Les artistes ont besoin d’argent pour exister et Zborowski le sait, lui qui se sert également de Netter pour payer les toiles de ses artistes en lesquels il croit plus ou moins.

L’exposition nous dévoile donc les artistes dont Netter s’est occupé avec, puis sans Zborowski, dont il se sépare tardivement. L’hétérogénéité des styles démontre toute l’énergie déployée à l’époque pour sortir du cadre esthétique traditionnel. Suzanne Valadon, Paresce, Utrillo, Kikoïne, Kremegne, Derain, Modigliani et surtout Soutine qui sort grand gagnant de cette exposition, nous en mettent plein les yeux. Si les paysages de Valadon sont hétérogènes dans le style, les couleurs de ses nus et de ses portraits sont une grande réussite. La Fillette en Bleu de Modigliani vous accueillera ensuite grands yeux ouverts.

Mais qu’on ne s’y trompe pas, si vous espérez ne voir que des Soutine ou des Modigliani, ce n’est pas sur cette exposition qu’il faut compter. L’exposition pourrait tout autant s’appeler Utrillo Soutine. Le fils de Suzanne Valadon a presque autant d’œuvres exposées que Modigliani. Le reste est dédié à des artistes moins connus mais tout aussi importants pour les yeux. C'est l'autre atout de l'exposition. Admirez Paresce et son paysage coloré aux formes géométriques, mélange de couleurs fauves et de cubisme : La Maison derrière les arbres.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Attardez-vous sur Krémègne et Kikoïne, ces artistes amis de Soutine qui viennent dans la capitale parisienne apprendre, exposer leur art en s’installant à la Ruche. Krémègne donne dans une expression plastique. Une démesure reprise par la matière de Soutine. Tandis que Kikoïne s’inspire des paysages de Soutine, un étonnant trio.

Et puis, attendez-vous à en prendre plein les yeux avec les bleus et les jaunes pris aux pièges dans les toiles de Soutine. Bleu dans l’impressionnante Folle. Jaune dansL’Homme au chapeau qui trône, grandiose, au milieu de la salle. Un chef d'oeuvre. La rupture est totale avec le reste de l’exposition. Le portrait lointain de Soutine réalisé par Modigliani vu en début d’exposition éclate. L’apparente sagesse vole en éclat devant cette intériorité éventrée sur ses toiles. Les Grands arbres bleus de Céret poussent le cadre de la toile et ne demandent qu’à sortir. Tension. Magnifiques Autoportrait au rideau et Jeune femme délavés par le temps et une humanité marquante. Que La Fillette à la robe rose de Soutine nous paraît loin  de la Fillette en bleu de Modigliani ! Celle de Soutine est avalée par le noir qui l’entoure, celle de Modigliani est en harmonie avec le fond, presque transparente. Le plaisir est immense.

  

A remarquer également, l’Homme aux masques de Raphaël Chanterou, une œuvre énigmatique et théâtrale. Mais aussi des Vlaminck, des Kisling et des Derain...

Marc Restellini réunit à la Pinacothèque des œuvres marquantes de l’histoire de la peinture. La collection Netter mérite amplement cet hommage éclairé de plusieurs mois. L’universalité des œuvres accrochées est la meilleure preuve de la justesse du regard passionné de Jonas Netter. A dévorer des yeux, de Modigliani à Soutine en passant par Valadon et Derain.

http://www.pinacotheque.com/

 

 

Sébastien Mounié © Etat-critique.com - 02/05/2012

 

 

Des orangers aux Nymphéas, de Monet au Novo Pilota.

 

 

Sortant de l’exposition Modigliani Soutine à la Pinacothèque et du choc ressenti par les toiles de Soutine, je me dirige vers le Musée de l’Orangerie, connu pour ses Nymphéas qui ont consacré le lieu depuis leur arrivée au lendemain de la première guerre mondiale. Monet en fait cadeau à la France au nom de la paix. Lui qui cherche un lieu où reproduire le vécu de ses jardins de Giverny, le voilà servi. Les nymphéas sont emmurés en plein Paris et exposés dès 1927 avec l’idée d’en faire un monument à la gloire de la paix.

Ce ne sont pas les Nymphéas qui m’intéressent, contrairement aux touristes qui s’y amassent dans un bruit incessant bien éloigné de l’idée originelle. C’est la collection de Paul Guillaume évoquée à la Pinacothèque, et surtout les Soutine. Lesquels sont exposés ? Vais-je autant vibrer qu’à la Pinacothèque avec l’homme au chapeau, la folle, la petite fille à la robe rose ou les grands arbres bleus ? Je descends directement l’escalier menant à la collection.

Magnifique surprise. Paul Guillaume était un fin collectionneur-marchand. L’entrée se fait par des Sisley, des Renoir et quelques Cézanne. Renoir m’ennuie. Les scènes de bourgeoisie douceâtres me rappellent le classicisme d’une vie Chamallow, du rose ouaté de blanc et de jaune. Du suranné. Le visiteur doit admirer le bien-être d’enfants qui n’ont rien d’enfantins. Oh bien sûr il y a le style. Le style. La propreté des joues roses de l’enfant poli aux cheveux bien coiffés. Le sourire luisant de l’enfant apprenant correctement sa leçon de piano. Le rire de la maman fière de son enfant. On n’est pas dans le Rireflamboyant de Maljavine exposé dans le palais Ca Pesaro de Venise… Le portrait du fils de Cézanne bleuté, malgré une raie bien à gauche vient casser l’ambiance. Merci Cézanne.

Heureusement, on bascule rapidement chez Modigliani et Rousseau. Superbe, Le Jeune Apprenti de Modigliani vous accueille, pensif, mélancolique, la pupille bleutée. Les gris bleutés viennent se heurter aux oranges de la peau. Rien de plus réussi que ce contraste. Plus étonnant, le portrait en profondeur de Paul Guillaume rebaptisé Novo Pilota par Modigliani, offre un personnage proche du mafioso. Un portrait aiguisé. Le marchand a l’œil noir mais juste.

 

Je passe sur les Marie Laurencin dont je ne parviens pas à saisir les vibrations, sourit devant les couleurs du Douanier en imaginant la tête des héritiers esthétiques du classicisme devant tant de raideur et de couleur. Des statues de couleur entoilées.

La salle Picasso/Matisse offre des Picasso antiques dans la droite ligne historique du « retour à l’ordre ». Les sujets féminins ont des formes d’odalisques pour Matisse qui les voit comme esclaves, modèles ou sujets érotiques, dans une tranquillité apaisante. Picasso amuse avec ses femmes à la fontaine. Une moderne antiquité. Les femmes massives s’imposent dans toute leur nudité.

Derain intrigue. Terrassé par ses visites au Louvre, le voilà prendre conscience que les Modernes ne résistent pas devant les toiles des grands maîtres. Il entreprend de revenir à des portraits classiques. Où est passé le Derain fondateur du Fauvisme ? Où sont passées les couleurs ? Etonnant retournement devant l’évidence historique de la modernité.

Puis vient Utrillo, mal-aimé. Lui qui peint rarement des personnages dans l’univers de Montmartre et de Paris offre une toile pleine d’humour. Des femmes caricaturales, gros culs tournés vers l’œil du spectateur descendent une rue pavée dans un quartier populaire. Les couleurs lépreuses des immeubles parisiens s’effacent devant une soudaine gaieté, La Maison Bernot.

 

Puis le plaisir. La salle des Soutine. Une vingtaine de tableaux. Du bonheur. Tout en énergie, les paysages, les portraits, natures mortes et sujets animaliers sont là, cruels, énergiques, vivants et massifs. Même tourmente et mouvement qu’à la Pinacothèque. Les Maisons telles des fantômes ondulent et marchent, les arbres couchés font tourner le monde et les paysages. La richesse de la matière résonne avec la rapidité d’exécution. La jeune anglaise rappelle les yeux de la folle. Les animaux morts sont réanimés par des valses de bleus aquatiques, violents - le dindon. Une tempête de matière et de projections qui culmine dans la matière de la soutane de l’Enfant de chœur. Le petit pâtissier vu par Barnes chez Paul Guillaume est présent. La fiancée ne laisse aucune ambigüité perdue dans sa tenue, les mains posées sur une chaise et la mine déconfite. Un rappel de La jeune femme aux apparences de vieille asymétrique délavée exposée à la Pinacothèque. Un régal de technique, de vie et d’audace. Soutine est trop méconnu. Il y a déjà la torture de la chair de Bacon et la violence des projections de matière de Rebeyrolle. Qu’attend-on pour lui dédier un musée ?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le retour par les Nymphéas se fait rapidement entre une gardienne qui rappelle le silence toutes les deux minutes et des touristes qui bavardent assis devant des nymphéas qui pleurent leur maître et leur jardin. Monet n’est plus qu’un Magnet.

Le Musée de l’Orangerie est à voir et revoir, la collection de Paul Guillaume est tout simplement incontournable. Orsay prévoit une exposition à l’automne sur Soutine. Allez-y.

http://www.musee-orangerie.fr/

 

 

Sébastien Mounié © Etat-critique.com - 20/04/2012

 

Super Rebelle, le porte parole des muets !

 

En 2009, on s’était éclaté avec Christophe Alévêque est Super Rebelle !...enfin ce qu'il en reste.

En 2011, avec les Monstrueuses Actualités de Christophe Alévêque on se demandait s’il n’était pas temps pour l’humoriste polémique de changer de formule. En 2012, on a certes bien ri avec ce nouveau spectacle et cette candidature d’un super héros fantoche qui caricature à peine une campagne assez lamentable.

Super Rebelle moque les mesures de la dernière chance d’un gouvernement qui veut nous sortir de la crise en augmentant le prix des cigarettes et des sodas, certainement parce que Liliane Béttencourt ne fume pas !

Il revient sur cette (pré) campagne présidentielle qui tourne à la mascarade : DSK qui monopolise l’attention pendant 4 mois (et qui préfère baiser la bonne plutôt que de baiser la droite !), Mohamed Merah devient le programme unique de l’ensemble des candidats…

Evidemment, Nicolas Sarkozy reste une cible idéale pour Christophe Alévêque, même s’il n’oublie pas de railler aussi la gauche (« Un robot avec un post-il marqué « Changement » serait élu, mais c’est sans compter sur la force de frappe du Parti Socialiste »), ou encore le centre (Bayrou est en dehors de la campagne à force de se vouloir au dessus du débat).

Alévêque Super Rebelle multiplie les tirades aussi drôles que vraies (« Le peuple a peur, mais ce sont les marchés qu’il faut rassurer ») mais force est de constater que, à l’instar de la Présidentielle 2012, SuperRebelle semble s’essouffler un peu.

Jusqu'au 6 mai 2012

Théâtre du Rond Point

http://www.theatredurondpoint.fr/

 

Salves, la dernière création de Maguy Marin, toujours radicale et surprenante, a été présentée à l’Arsenal de Metz, séduisant encore une fois ses spectateurs.

 

Le parti pris bien tranchant de Description d’un combat- réflexion autour de l’image figurative et de l’image littéraire - à la fin de la saison 2010, avait divisé le public du Théâtre de la Ville de Paris, partagé entre ceux qui, ennuyés, avaient abandonné la salle, et ceux qui, hypnotisés et envoûtés par la proposition formelle de Maguy Marin, avaient adoré le spectacle.

 

Salves, qui en 2011 avait déjà été montré à Paris, interroge la frontière entre le théâtre et le cinéma, mettant en scène un dispositif de lumières, de sons et de mouvements dans l’espace travaillant inlassablement le hors-champ, l’apparition et la disparation des corps et leur relation avec la parole.

 

Sur les côtés de la scène, des bandes magnétiques se déclenchent alternativement et font entendre des fragments de films américains, italiens, espagnols, tandis que sept danseurs construisent et déconstruisent une narration (symbolisée par le fil presque invisible avec lequel jouent les interprètes au tout début du spectacle) faite de tentatives de préparer une table, de plats cassés qui perturbent l’action, d’enfants qui s’échappent dans la nuit, de mains qui tentent de réparer un vase brisé…

 

Un enchaînement fascinant et poignant d’associations d’images entre les films et les situations représentés sur scène se développe tout au long du spectacle : un jeu figuratif évoquant le surréalisme et travaillant les extrémités des gestes et des séquences dont l’aboutissement n’a jamais lieu. Maguy Marin construit ainsi une tension grandissante, faite de mouvements continuellement interrompus, inachevés et à nouveau répétés avec de légères variantes.

 

La proposition coupe le souffle, enchante et impatiente : on aurait envie de pouvoir arrêter l’action, de revoir le montage de mouvements et de sons, de mieux en saisir la force plastique et les références suggérées. Mais le spectacle avance à un rythme de plus en plus soutenu et la séquence finale apporte un bouleversement peut-être trop conciliant et intelligible…

 

Quoi que l’on puisse penser des dernières minutes du spectacle, Salves reste une création passionnante et fondamentale pour les questions esthétiques qu’elle soulève.

 

www.arsenal-metz.fr

 

www.compagnie-maguy-marin.fr

 

 

Gloria Morano

© Etat-critique.com - 16/03/2012

A l’Arsenal de Metz, le cabaret de The Tiger Lillies  et le diaporama de Nan Goldin s’unissent dans une ballade étrangement rythmée.

 

 

Les photographies de The Ballad of Sexual Dependency retracent 10 ans de la vie de Nan Goldin, ses rencontres, des moments d’intimité partagée dans les milieux underground et white trash américains et européens. Dans ce diaporama, l’enchaînement saccadé des clichés rend difficile l’observation posée des compositions des images. Nan Goldin impose au spectateur une suite infinie de corps seuls ou en couple, des regards caméra dévoilant brièvement un visage battu, le quotidien dans un appartement minable, le temps passé dans un bar.

 

La photographe nous met face à la drogue, au sexe, à la violence, mais aussi face à des moments paisibles dans une baignoire, des jeux d’enfants, de vieux couples assis dans leur cuisine.

 

La douleur, l’angoisse, la dureté de la vie ne sont jamais trop loin et ces sensations ont probablement inspiré The Tiger Lillies dans la création de ce ciné-concert.

 

Perpétuant la tradition de la chanson de bordel, les anglais développent un univers et une musicalité proches de Tom Waits où les histoires de beuveries côtoient les déboires de prostituées et de délinquants. Martyn Jacques, sorte de de King Diamond avec la voix de Jimmy Sommerville, chante la pisse et la merde, la beauté et la tristesse.

 

Une vie rude, des tonalités âpres semblables à celles de Nan Goldin avec un étrange décalage temporel de quelques décennies, voilà le ciné-concert proposé par The Tiger Lillies sur les images de la photographe américaine. Un même esprit, des thématiques très proches qui rendent le spectacle extrêmement passionnant pour le public de l’Arsenal.

 

Et pourtant la mélancolie des sonorités du groupe anglais correspond finalement très peu au côté cru et touchant des photos de Nan Goldin : si chez The Tiger Lillies tout est souvenir partiellement idéalisé d’une époque passée, chez Goldin, les clichés placent le spectateur face à un réel très chargé historiquement (les années 80), politiquement et socialement, face à des relations amicales et amoureuses douloureuses, rudes, mais aussi profondément fertiles artistiquement. Le réel de ces photos est perpétuellement renvoyé à sa cruauté, aucune idéalisation nostalgique n’est possible. L’instant reste tel quel, vivant et violent, à tout moment. Voilà ce qui transforme le ciné-concert de The Tiger Lillies en une création bizarrement décalée.

 

http://www.tigerlillies.com/

 

 

www.arsenal-metz.fr/ 

 

Gloria Morano

© Etat-critique.com - 08/03/2012

La nouvelle pièce de Myriam Gourfink explore les possibilités de la lenteur, de la presque immobilité en relation avec des matières sonores subtiles et puissantes.

 

Le titre de la création Une lente mastication signifie le processus de compréhension d’un rythme, d’une structure gestuelle, d’une approche au temps au cours de la période de répétition de la pièce, et par la suite de sa représentation sur scène.

 

La pièce de la compagnie Myriam Gourfink travaille de manière franche et radicale l’idée de lenteur, d’écoulement à la fois lourd et imperceptible du temps dans un mouvement continuel infinitésimal - moléculaire est l’adjectif le plus employé pour définir cette recherche - dans lequel les 10 danseurs-insectes (une comparaison que la chorégraphe utilise aussi pour définir l’allure de ces corps, et qui nous semble signifier également la gestuelle et l’unité de ses interprètes malgré l’apparente séparation réciproque – on y reviendra) jouent avec les spectateurs le jeu de l’attente. Une heure doit s’épuiser, le public est au courant de cela dès le départ, et le parti pris de la pièce est d’emblée clair et univoque : l’avancement des danseurs de droite à gauche sur la scène.

 

Le concept de mouvement acquiert ainsi plusieurs dimensions : il est placé dans le temps et dans l’espace de manière claire et éclatante ; il se montre à la fois dans sa gratuité la plus absolue et dans sa finalité la plus simple, celle d’un avancement spatial ; il est geste individuel et collectif. Ce dernier point est peut-être d’ailleurs le plus captivant de la pièce : les danseurs avancent (ou reculent légèrement) en donnant l’impression d’être seuls et séparés les uns des autres dans la logique de leurs gestes, alors qu’un « corps commun » (expression qui apparaît dans un entretien avec Clémence Coconnier, une des danseuses de la pièce) est en mouvement.

 

Ce qui est donc le plus essentiel, mais presque imperceptible, est le concept de densité des corps dans leur mouvement, concept inspiré par la pratique du yoga, une densité travaillée de manière intense par les nappes sonores jouées par Kasper T. Toeplitz.

 

Le public reste pourtant assez froid devant cette exploration gestuelle et sonore qui apparaît peut-être excessivement démonstrative.

 

Gloria Morano et Flavia Ruani

© Etat-critique.com - 07/02/2012

Un trait d’union entre hier et demain.
Salle comble au Théâtre de la Ville pour cette soirée du 27 janvier. Les regards se croisent. Quarantenaires, trentenaires et plus, sont là pour refléter le parcours d’un chanteur musicien qui a pris son envol il y a une vingtaine d’années grâce au courage des oiseaux. La Fossette révèle un chanteur minimaliste lyrique qui se plaît à composer des chansons décomplexées assumant la brièveté et des phrases répétitives. Des phrases qui rappellent avec le recul la composition d’un haïku mélodieux. « Le courage des oiseaux a de la valeur parce que les mots sont raccords avec la mélodie et parce que c’est un slogan, une espèce de haïku. Pour moi, à la limite, ce que raconte le couplet, je m’en  fous et je pense que tout le monde s’en fout. Ils veulent juste entendre cette phrase… » dit Dominique A.

Le concert se décompose en deux parties séparées par un entracte, une reprenant les titres de la Fossette, l’autre présentant des inédits du prochain album. Avec surprise, les titres de La Fossette n’ont pas pris une ride. Entouré de deux claviers aux frontières de deux époques, à cour un piano à queue et à jardin un clavier avec programmations, Dominique A reprend les titres de l’album du commencement. Vivement dimanche, Février, Trombes d'eau, Va t'en, L'un dans l'autre, Mes lapins, Sous la neige, Le courage des oiseaux, Les habitudes se perdent, Ce qui sépare, Passé l'hiver, La Folie des hommes et l'écho.

Les titres montrent combien le répertoire des amants désunis est une thématique profonde et ancrée dans le lyrisme du chanteur. Les textes laissent entendre l’incompréhension qu’a le couple à communiquer, avec au bout, la rupture. Musicalement, la programmation de sons synthétiques et les boucles rythmiques donnent à l’ensemble un sentiment d’aliénation et de continuité inexorable. L’échec inévitable. Une poésie fatale qui donne à l’ensemble des allures de rêveries maladives tout en grâce.

Si la gestuelle année 80 de Dominique a sur scène amuse un peu, on respecte la fluidité et la conviction de l’énergie déployée sur scène. Une sensualité portée par une voix reconnaissable, féminité et sincérité. Tout s’accélère après l’entracte lorsqu’un quintet à vent vient rejoindre la scène pour accompagner une nouvelle formation : batterie, basse électrique/contrebasse, guitare électrique. Les morceaux annoncent le prochain album de Dominique A prévu pour le 26 mars, Vers les lueurs. La prestation a du coffre. Jeff Hallam à la basse donne un rythme visuel à l’ensemble, accompagné par un jeune Thomas Poli à la guitare électrique en grande forme. La bandoulière tangue. Eclairage flamboyant, carrés d’ombres au sol.  Les artistes enchaînent les titres avec une énergie constante. Un vent parfois proche d’un Noir Désir souffle sur le public. Il y est question de lumière et moins de couple sur la rupture. La musique s’est électrisée, endurcie, accélérée. Les cris des spectateurs ponctuent désormais chaque morceau. Ostinato est sans doute le plus représentatif. Un emblème musical pour ce chanteur minimaliste qui se plaît à répéter une rythmique pour atteindre une violence réaliste.

Le concert finira par des rappels en acoustique. Dominique A revient trois fois pour finir seul sur scène avec sa guitare folk. La guitare s’arrêtera pour laisser entendre Pour la peau a cappella. Silence liturgique dans la salle du Théâtre de la ville. L’émotion est à son apogée. Reverb éteinte. Le sentiment d’un cadeau après 2h30 de musique. Un beau spectacle sur le temps qui passe et la continuité d’un artiste toujours présent. On attend avec impatience l’album.

 

 

Sébastien Mounié © Etat-critique.com - 31/01/2012

Une émouvante tournée/hommage ultime au chorégraphe américain décédé en 2009.

 

Le Théâtre de la Ville clôture son année 2011 en accueillant un double programme de la Merce Cunningham Dance Company. Nous avons assisté au deuxième programme de cet hommage, qui, comme le précédent, proposait trois pièces différentes parcourant les grandes phases de l'oeuvre chorégraphique de Merce Cunningham.

RainForest (1968), Duets (1980) et BIPED (1999), joués du 20 au 23 décembre, permettaient donc d’avoir un panorama assez satisfaisant du travail de Merce Cunnigham dès ses premières créations jusqu’à une de ses chorégraphies les plus récentes.

Les spectateurs ont pu se remémorer ou découvrir pour la première fois le formalisme d’avant-garde des propositions de Merce Cunningham : ses essais de renouvellement des codes classiques - ses danseurs jouant de l’équilibre des corps et de leur perpétuelle rupture - et de rencontre libre et fortuite entre les mouvements et les sons (en l’occurrence les compositions de David Tudor, John Cage et Gavin Bryars).

La danse de Merce Cunningham met en scène un minimalisme obstiné, une recherche infatigable autour du geste, des plus simples mouvements des membres et de la relation entre les corps. Les danseurs déploient ainsi toutes les possibilité organiques de leur corps : chaque mouvement d’un membre est une proposition en soi, une tentative autonome de penser le geste.

BIPED, construite autour d’une rencontre entre les danseurs sur scène et les images virtuelles créées par des capteurs présents sur les corps des danseurs, représente le point culminant des recherches de Cunningham : toute la scène devient mouvement pur, la plus grande virtuosité esthétique ne nie pas le minimalisme des débuts.

La pièce communique une sensation très agréable de pacification. Jusqu’au bout Merce Cunningham aura poursuivi ses recherches sereinement, une joyeuse surprise continuelle autour des possibilités infinies des corps.

 

Gloria Morano

© Etat-critique.com - 28/12/2011