The Propelled Heart, Alonzo King Lines Ballet, Lisa Fisher, Chaillot
Formidable alliance de la danse et du chant, le chorégraphe Alonzo King et la chanteuse Lisa Fisher nous offre un spectacle envoutant qui nous touche droit au coeur. Depuis 1982, Alonzo King s’évertue à proposer une danse classique “moderne”. Il n’hésite pas à déstructurer et concilier des influences différentes : jazz, ballet classique, chant lyrique… C’est d’ailleurs ce que l’on peut ressentir en assistant au spectacle “The Propelled Heart”. D’un point de vue chorégraphique, Alonzo King reste fidèle à son esthétique en utilisant un langage basé sur la technique classique : grandes extensions, lignes cassées et angulaires en sont les principales caractéristiques. La compagnie Lines ballet offre une performance que l’on pourrait qualifier d”organique”. Les danseurs évoluent tels des animaux dans les premiers minutes du spectacle. Il y a un jeu qui s’installe entre la voix gutturale de Lisa Fisher et les gestes hypnotiques des danseurs. A mi-chemin entre le combat et la collaboration, le pouvoir du chant répond à la beauté de la danse. Le spectacle nous prend aux tripes. La pièce “The Propelled Heart” s’appuie sur l’enseignement du gourou Sri Yukteswar. Lequel, dans La Science sacré, décrit cinq états du cœur humain : obscur, animé, constant, consacré et pur. L’état du cœur animé (propelled heart) correspond ainsi au moment où l’individu, doutant du réel, se met en quête de vérité. Sri Yukteswar écrit : “Lorsque l’Homme est un peu éclairé, il compare les expériences de la création physique qu’il a à l’état de veille avec les expériences qu’il a dans son sommeil. Il comprend que ces dernières sont simplement des idées, et il se met alors à douter de l’existence substantielle des premières. Son cœur se sent donc poussé à connaître la nature réelle de l’univers. Luttant pour se débarrasser de ses doutes, il cherche des preuves pour établir ce qu’est la vérité.” Si “The Propelled Heart” célèbre la magnifique voix de Lisa Fischer, l’énergie, la passion et l’engagement des danseurs restent remarquables. Ils sont d’une grâce envoûtante et un très grand charisme émane d’eux. The Propelled Heart Avec Alonzo King Lines Ballet et la chanteuse Lisa Fisher Théâtre National de la Danse –...
Pursuit of Hapiness, Nature Theater of Oklahoma
Oubliez tout ce que vous connaissez sur le bonheur.
My Ladies Rock – Jean-Claude Gallotta – Théâtre du Rond-Point
“La femme est le présent de l’homme” My Ladies Rock est un spectacle de danse contemporaine qui revient sur l’histoire du rock et de ces femmes qui ont réussi à casser ce plafond de verre qui ne leur donnait pas accès aux chemins du rock et du succès, de Wanda Jackson jusqu’à Tina Turner en passant par Brenda Lee, Betty Davis, Christine ou Aretha Franklin… La scénographie didactique et simple–un diaporama de portraits sur le cyclo de fond de scène en alternance avec des ballets en musique sur un plateau nu- donne une réelle lisibilité à ces femmes du rock qui surplombent la scène et le public. Au-delà des figures du Club des 27, les photographies apportent une vision trans-générationnelle. Au-delà des visages vieillissants de Joan Baez ou Patti Smith, reste l’âme des musiques et l’histoire de combats pour être, chanter et transgresser, à l’égal du possible de l’homme et de la femme, parfois jusqu’à l’autodestruction. Sur le plateau, c’est une explosion de joie et de sensualité qui s’exprime au travers des onze danseurs du groupe Emile Dubois. Les duos, trios, quatuors, dixtuors s’enchaînent avec énergie et fantaisie. Magnifique duo sensuel sur Sister Morphine de Marianne Faithfull, superbe sextuor sur le grave My Funny Valentine de Nico, provoquant Dread Love de Nina Hagen et si joyeux Proud Mary collectif de Tina Turner en tableau final. Une scène qui vibre de liberté et d’égalité. Grâce aux costumes et aux corps des danseurs, Gallotta joue avec les genres et l’androgynie souvent présente dans le rock, de Bowie à Jagger, preuve que la question du genre n’est pas propre aux débats actuels mais transcende à travers l’art de nombreuses icônes du rock. Si on aurait sans doute aimé plus d’audace et de provocation pour retranscrire les routes ô combien chaotiques de ces femmes aventurières du rock, l’hommage rétrospectif est réussi. Les danses cherchent à faire du bien et ça marche. Ce spectacle est d’utilité publique. La chorégraphie est à vivre et partager avec les plus jeunes pour comprendre le monde d’aujourd’hui et mieux le faire avancer. Ce combat courageux pour l’égalité des droits des femmes passe aussi par les chemins du rock et de la danse. Gallotta finit la chorégraphie en rêvant d’une « femme présent de l’homme », comme une volonté de ne pas différer dans le temps les droits de celle-ci. I have a dream…...
La fresque, Angelin Preljocaj, Chaillot
Une bulle poétique, langoureuse et dynamique à la fois.
Democracy in America, Castellucci, Tocqueville,
Une œuvre qui interroge la naissance de la démocratie américaine, et permet de souligner les zones d’ombre de toute démocratie ; un spectacle total inédit. Comment lois, chartes, compromis, batailles et traités de paix, ont émaillé et figé l’Histoire des Etats-Unis, à partir de l’aventure de pionniers puritains guidés par la foi, contre les Indiens, contre les Noirs, contre une Nature à dompter. Le récit ici s’intéresse à une famille de paysans puritains, menacée de famine. Le dispositif nous donne à voir, à travers différents filtres (écran de projection, bâche en plastique), une petite communauté de pionniers. Le dos voûté à travailler la terre, les silhouettes nous rappellent les peintures de Millet. Premier tableau : il pleut sur le plateau, il fait nuit, la femme vient échanger (vendre ?) son enfant à un couple, contre un sac d’outils et de semences. Tableau suivant, deux indiens aux aguets évoquent l’échange, auquel ils ont assisté la nuit précédente. Ils s’enseignent des rudiments de langue anglaise ; l’un veut apprendre, l’autre non. Ils débattent et au sujet des visages pâles, disent en substance : « Leur langue ne désignent pas nos choses, mais c’est par leur langue qu’ils désignent ce qu’ils veulent nous prendre. » Tableau suivant : la femme n’arrive pas à avouer l’échange à son mari. Elle blasphème et c’est par une langue inconnue d’elle (la langue des Indiens précisément), que, possédée, elle avoue l’horreur de l’échange. Revenue à elle, elle est capable de décrire le dilemme qui l’a amené à ce choix. On entend le tribunal communautaire la condamner. Tableau final : une danse mystique, sacrificielle. Surgit alors l’opération cruciale, vertigineuse, le fondement de la tragédie : la catharsis. On se souvient ici du rapport étroit, de la gémellité presque, entre théâtre et démocratie. On rêve éveillé, on admire la danse frénétique (entre derviches tourneurs et prêtres du Ku Klux clan) qui vise au sacrifice de la mère (femme malade, sorcière ?). Surtout on est secoué, saisi physiquement par la bande-son de Scott Gibbons. C’est comme si tout le théâtre vibrait sous les éclats des sabres brandis qui s’entrechoquent. L’œil aussi est fasciné par les images floues, par les reflets des sabres démultipliés, le scintillement de l’eau sur le plateau. On vit donc une expérience de spectacle total qui saisit notre corps et fascine notre esprit. Ce spectacle de Claudia et Romeo Castellucci est concis (1h45), serré autour de son sujet ; moins orgiaque qu’ « Orestie » vu à l’Odéon en décembre 2015, (spectacle rappelons-le interdit aux moins de 16 ans), il donne encore à voir et à sentir une expérience inédite. Les représentations de « Democracy in...
Gala, Jérôme Bel, Théâtre du Rond-Point
Voué aux arts contemporains et à la rencontre des disciplines, le spectacle « Gala » ouvre le Festival d’Automne qui se tient à Paris jusqu’en Décembre. Ce spectacle questionne les notions d’arts et de spectacle via le prisme de la pratique amateur. « Gala » est un spectacle que Jérôme Bel a créé en 2015 suite à une série d’ateliers effectuée en Seine-Saint-Denis. Lui, qui n’enseigne pas, a accepté de participer à un projet de travail avec des amateurs. Cette expérience a été l’opportunité de questionner les limites de la pratique artistique : qu’est-ce que le beau, qu’est-ce qui peut être qualifié d’art ? En définitive, qu’est ce qui fait qu’un spectacle peut être considéré comme spectacle ? « Gala » s’ouvre sur une série d’image de scène théâtrale à travers les âges et les styles. Le point de vue varie du spectateur aux « artistes ». Cette ouverture dure pratiquement 10mn comme si le public devait être préparé à réfléchir sur les notions de représentation théâtrale, de spectateur et d’artiste. La consigne est simple, la même pour tous, répéter chacun à son tour le mouvement de danse écrit sommairement sur un panneau à l’avant-scène. Des genres très différents sont utilisés et traités à égalité. Dans la première partie, certains amateurs s’en sortent mieux que d’autres mais il y a un décalage flagrant avec les interventions menées par les professionnels. Boudinés dans des justaucorps lamés et des jambières, on oscille entre le rire et la gêne. Les rires fusent et s’apparentent parfois à de la moquerie. Qu’est-ce que nous pouvons attendre d’une personne corpulente qui réalise un saut ? Qu’est-ce que nous pouvons attendre d’une personne qui chante « Moi, je veux mourir sur scène » avec une voix chevrotante avec comme seule aide, la musique qui vient de son portable ? Nous avons la vague impression d’assister à un gala de danse d’une fin d’année scolaire sauf que nous ne sommes pas les parents de l’un des participants. Et puis la seconde partie arrive. La petite troupe doit reproduire la proposition d’un amateur ou d’un professionnel. Dès lors, on dépasse le cadre de la technique pure pour découvrir que la danse peut-être un moment de partage. Comme l’exprime Jérôme Bel : «Chacun porte des savoirs – non pas chorégraphiques, mais «dansés» – savoirs plus ou moins sophistiqués selon les personnes». L’objectif n’est pas de gommer la frontière entre professionnels et amateurs mais de proposer une vision de la représentation et du spectacle. Cette seconde partie est apparue plus intéressante car on se situe dans le partage : chacun peut illustrer son « soi » dansant alors qu’auparavant, on...
BOXE BOXE – Mourad Merzouki – Quatuor Debussy- Théâtre du Rond-Point
Du ring, de la danse et des cordes… L’œuvre est belle. Ils sont douze sur le plateau, danseurs et musiciens. Les danseurs sont ceux de la compagnie Käfig. Les musiciens sont issus du quatuor Debussy. Les compositeurs se nomment Schubert, Ravel, Verdi, Glenn Miller, Philip Glass, Mendelssohn, AS’N. Le chorégraphe, Mourad Merzouki, le scénographe, Benjamin Lebreton. Zelliges couleur sable en filigrane sur le cyclo de fond scène, volutes en fer forgé plus ou moins cabossées, costumes noir et blanc aux tonalités burlesques plantent le décor d’un ring où tout semble possible. Orchestrés par un arbitre bedonnant et par un quatuor à cordes, les danseurs se laissent embarquer dans une variation sur la boxe qui les magnifie. Avec élégance et humour, Mourad Merzouki parvient à mêler un sport spectaculaire aux défis gravitationnels de la danse contemporaine, du hip-hop et des notes classiques. Tout commence sur un ring, avec des gants couleur nez-de-clown, marionnettes vibrant en musique. La partition fonctionne. Le mouvement entre en action. Les gants donnent naissance à un amas de chair mouvante dont s’extraient les danseurs. Et le danseur fut. La sortie du ring pour le plateau est immédiate. Les danseurs s’élanceront alors pendant près d’une heure dans un ballet en hommage à la boxe et au corps. La performance est physique mais également esthétique. Les ruptures de rythmes produisent des effets hypnotiques : les actions ralenties des danseurs mêlées aux lumières de Yoann Tivoli semblent sortir d’un mirage. Les danseurs fantomatiques avancent sur nous. Le résultat est stupéfiant. Les duo, trio et ensemble s’enchaînent à un rythme effréné dans des chorégraphies qui mettent en avant contacts harmonieux en opposition avec l’image « choc » de la boxe. Les coups et les narrations sont visuelles, fondées sur l’art de l’esquive et la perception des espaces. Un unique tableau montre le boxeur en action sur un sac de frappe, comme un hommage appuyé et ces forçats de l’effort. L’ensemble n’est que plaisir pour les oreilles et les yeux . Le lyrisme est là, le temps suspendu, les corps poussés au-delà. Une poétique de la boxe d’une grande élégance à ne pas manquer. http://www.theatredurondpoint.fr/ Drôle de lutte / Boxe Boxe par...
Festival 100% Afrique : Génération A, Paris Villette
Ils se donnent sur scène avec fougue. Tels des bouquetins, ils se battent, se rencontrent, s’accordent Les moments de tension alternent avec les moments d’accalmie où l’on boit le thé. Et vraie valeur ajoutée : le rire !
Triptyque- Les 7 doigts de la main – Marie Chouinard – Victor Quijada – Marcos Morau
Quand le cirque rencontre la danse contemporaine Circassiens, les artistes de la Compagnie Les 7 doigts de la main présentent dans Triptyque trois mondes chorégraphiés par Marie Chouinard, Victor Quijada et Marcos Morau. Ils sont jeunes et abordent le plateau avec une force et une poésie aériennes spectaculaires. On y retrouve des thèmes de recherche propre à chaque chorégraphe. Les béquilles médicales de Marie Chouinard donnent ici naissance à deux êtres protéiformes dont l’animalité joue avec des représentations mythologiques. Certains y verront un ballet entre un faune-centaure et une nymphe-biche, d’autres des êtres issus d’un monde de science-fiction digne de Bradbury. Portés par une musique originale de Louis Dufort, Anne Plamandon et Samuel Tétreault jouent une rencontre rythmée par l’interdépendance d’une relation affective naissante. Le violoncelle les porte et les soutient dans une ambiance boisée. Le résultat est marquant et d’un onirisme de haute volée. Plus géométrique, Variations 9.81 de Victor Quijada, laisse une place plus représentative aux équilibres. 21 cannes d’équilibre peuvent être déplacées sur un des 75 ancrages possibles percés au sol. Les probables compositions laissent entrevoir une infinité de possibilités. Mathématique, ce tableau impressionne par la mécanique qui s’installe, comme une perdition qui fait perdre au spectateur tout repère habituel. Une gravité inversée dans laquelle les équilibres et les mouvements laissent transparaître des mouvements de hip hop. Un doux mélange de danse urbaine et contemporaine. Nocturne, dernier tableau du triptyque chorégraphié par Marcos Moreau est sans doute le plus vertigineux des trois. Surréaliste. Les artistes dévoilent l’éventail des possibles à partir d’un espace du quotidien, une chambre avec un poste de télévision. Ceci n’est pas une chambre. La danse vient percuter l’espace et les objets afin d’y laisser entrer la verticalité du cirque. Le plateau devient une piste onirique. Le lit s’envole. Monocycle, sangles aériennes, corde lisse, main à main s’invitent. Spectaculaire. Un défi aux contraintes physiques. Un possible rêve. Triptyque est un mélange des arts de très haute tenue à ne pas...
Rocío Molina – Caida del Cielo
Elle nous propose une approche libre et contemporaine de la tradition flamenca. Nous le comprenons dès les premières notes de guitares électriques qui annoncent le début du spectacle.
Le Goujon Folichon, cabaret de Maison Close, Julien Fanthou, Théâtre du Marais
Loufoque, tendre et délicat, ce spectacle donne une seule envie au spectateur : qu’il continue, qu’il soit connu.
Il Sangue, Adesso Voglio Musica e basta, Pippo Delbono, Bouffes du Nord
On aime ou on déteste son théâtre, parce qu’on ne peut pas y échapper par l’ennui, les bâillements assoupis ou la distraction; on est toujours empoigné dans ses visions, martelé par ses mots: Pippo Delbono est notre démiurge.
ARINGA ROSSA – Ambra Senatore / Le Carreau – Forbach
Un jeu gestuel entre fiction et quotidien avec ironie et légèreté. Ambra Senatore, chorégraphe italienne de plus en plus appréciée et soutenue notamment en France, présente cette semaine en Lorraine (d’abord à Forbach, puis à Vandoeuvre-lès-Nancy), sa pièce de 2014, dont le titre est la traduction de l’expression anglaise red herring (fausse piste). Aringa Rossa est effectivement une suite d’amusements gestuels des 9 artistes sur scène, aux déplacements élégants et divertissants, entre danse et théâtre comique. Des sons et des bruits commencent et s’arrêtent presque immédiatement, tout est évocation personnelle, atmosphère à la fois ordinaire et étrange, familiarité et équivoque charmant. De nombreux signes, gestes, mots qui, au fur et à mesure que la pièce avance, prennent un sens d’ensemble, construisent un tableau global, une réflexion aérienne, raffinée et franchement drôle des relations humaines. Chez Ambra Senatore, la narration, la remise en question et le commentaire sur le geste en cours, la mise en scène de fragments de personnages, tout cela renvoit à de nombreux autres chorégraphes contemporains : on pense notamment à Salves de Maguy Marin, mais dans une version à l’apparence plus légère et insouciante. Ambra Senatore, d’ailleurs nouvelle directrice du Centre Chorégraphique National de Nantes depuis le début de l’année, montre avec cette pièce sa maîtrise de l’équilibre entre construction très précise et improvisation : la création sonore et le bruitage dialoguent avec les gestes des danseurs de manière riche et enthousiasmante. Le public se retrouve impliqué dans le jeu chorégraphique et sensoriel de façon délicate, ludique et réjouissante. Un spectacle ironique et...
Mass B, Béatrice Massin, Théâtre national de Chaillot
On apprécie les farandoles planantes, les moments aériens; des interprètes sortent du lot, certains retrouvent dans cette parenthèse enchantée leur placement de danseur classique…
Attends, Attends, Attends… Pour mon Père, Cédric Charron, Jan Fabre, Théâtre de la Bastille,
Les premières secondes de ce solo inaugural dans le triptyque Jan Fabre proposé au Théâtre de la Bastille, nous plongent d’emblée dans une expérience mystique, transparente à un Autre Monde, de l’Au-delà… Nimbée de fumée blanche qui déborde de la scène pour envelopper doucement le public, la pénombre devient diffuse, propre au visons magiques. S’en extrait Cédric Charron, vêtu d’un rouge cru. La scène est là-encore une composition picturale du plasticien Jan Fable, truffée de symboles gothiques. Cédric Charron danse le passage de vie à trépas de la figure du Père, dans la peau de Charon, le “nocher des enfers”, qui guide les mourants moyennant péage dans leur traversée du Styx. Charon est dans la mythologie grecque un vieillard malcommode, ce que le fantasque danseur mime très bien, dans un travail corporel évoquant la danse Buto, une autre danse des Ombres… Dans le texte qui se déploie, Cédric Charron s’exprime pourtant en homme encore jeune qui réclame au Père, d’Attendre, Attendre… Pour que le temps de danser puisse avoir lieu, le temps de la procrastination et de l’inutile pour le Fils, qui ouvre l’accès au monde la Création, libéré de l’interdit du Père. Il y a donc deux passages à opérer: du Père oedipien au Père mort, du Fils paralysé au fils artiste; pour que le temps, après l’Attente, se mette à passer de nouveau… Le texte est superbe, les effets visuels assez hypnotiques; on regrettera néanmoins un ensemble un peu hermétique et “en force”. Mais il en va de même dans d’autres solos précédents présentés par Yann Fabre, qui réussissaient peut-être mieux à donner au propos crûment biographique une résonance plus métaphysique, notamment par les références au monde médiéval. Si l’on retrouve ses codes obligatoires, comme le corps en croix -l’expérience même du “chemin de croix”-, on trouve moins facilement dans Attends le fil esthétique du rêve… On continuera néanmoins de suivre Jan Fabre, tant au musée qu’au théâtre, dans son traitement des corps, de Nature Morte à Transcendance, pour faire apparaître combien l’Art s’arrache dans l’effort à un temps où la Mort est sans cesse évoquée. du 9 au 13 mars 2016 Solo pour Cédric Charron de Jan Fabre Théâtre de la...
Nombrer Les Étoiles, Alban Richard, ensemble Alla francesca, Théâtre 71
Dans un entretien pour le numéro spécial de La Terrasse Shall we dance?, Alban Richard déclare: « Les CCN peuvent travailler à la reconnaissance et à la nécessité de la danse dans une société. […] Le projet pour Caen est essentiellement une utopie.” Dans Nombrer Les Étoiles, l’utopie consiste à projeter sur scène une brèche spatio-temporelle pour plonger des artistes aux corps et habitus ultra-contemporains dans un environnement baignée de musique médiévale, et ce dans la plus grande fluidité, le plus grand naturel. Pourrait-on imaginer un voyage dans le temps plus doux et serein? Alban Richard, assisté pour le son par Félix Perdreau, a inséré une continuité minutieuse entre les ballades oniriques interprétées par l’ensemble Alla francesca et le souffle même des danseurs, réverbéré dans tout le public, intensifiant encore l’expérience de transport, intérieur autant que physique. Chaque geste de main, de pieds, inclinaison de tête… répond subtilement, note pour note, au chant. Ces arabesques lentes, ce tournoiement suspendu par instants en des poses symboliques, évoquent les sujets gracieux des enluminures médiévales où chaque geste est un langage. Il émane de l’ensemble un climat de grande détente; tour à tour le chant s’élève, à son diapason les corps s’envolent, puis tout revient à l’état neutre, à l’image d’une boîte à musique dont le mécanisme s’interrompt. On peut remarquer que les interprètes sont en blue jeans, comme Alban Richard lui-même dans la Suite Dansée présentée l’année dernière à la Philharmonie au son du claveciniste Christophe Rousset. Alban Richard est un chorégraphe qui recherche un traitement “métrique” de la danse, dans une réponse poignante et rigoureuse à la partition musicale. On se souvient du morceau de bravoure que fut Pléiades pour le festival Montpellier Danse en 2011 où les six danseurs de son ensemble l’Abrupt scandaient le tempo des Percussions de Strasbourg sur la musique de Iannis Xenakis dans une vitesse d’enfer… Il poursuit sa recherche amorcée à Chaillot en 2014 dans Et mon coeur a vu à foison, de plongée dans l’univers baroque/ médiévale. Il est question pour lui de travailler une nouvelle contrainte d’écriture chorégraphique, comme un compositeur se frotterait au genre dodécaphonique. Mais ce qui éclate avec Nombrer les Étoiles, illustre bien “la nécessité de la Danse” dans la cité. Avec la peinture classique, nous avions accès à la représentation du corps anatomique, à une certaine valorisation du corps dans une dimension presque sacralisée. Dans le monde contemporain, il ne reste que la danse pour nous rappeler l’importance du corps, du geste, du rythme, de la marche ou du souffle…; pour nous en montrer et faire entendre la beauté. En blue-jean du quotidien, cette beauté sereine éclate parfaitement grâce aux interprètes d’Alban Richard, en...
Festival Animal.es – Luc Petton & Antonia Baehr
« Un festival transféministe antispéciste » enfin à Metz, une programmation pluridisciplinaire qui aborde la thématique des animaux pour déconstruire les normes et les lieux communs. La soirée du 22 janvier, au théâtre de l’Arsenal, est consacrée à la danse et à la performance, d’abord avec la pièce Light Bird de Luc Petton, puis avec Abecedarium Bastiarium, une performance intimiste de l’artiste allemande Antonia Baehr. Nous pouvons évoquer rapidement Light Bird : une salle comble et enthousiaste pour un spectacle mettant en scène 4 grues de Mandchourie à côté de 4 danseurs (2 hommes et 2 femmes) et un musicien. Après le succès à Metz en mai dernier, pendant le festival Passages, du Jour du grand jour du Théâtre Dromesko, une pièce bouleversante, mettant en scène de manière vibrante notamment un marabout, nous nous attendions à un autre spectacle capable de jouer de la relation avec les animaux avec la même grandeur et intelligence, de donner une raison profonde à leur présence sur un plateau, de nous faire oublier les tristes clichés d’un zoo… Light Bird déçoit en proposant une danse « humaine » assez banale car entièrement portée par la puissance d’ambiance de la musique, et surtout bien trop genrée dans ses représentations masculine et féminine. A côté de cela, l’apparition des 4 grues ne trouve jamais une réelle motivation, leur présence ne donne lieu à aucune réflexion esthétique ou philosophique sur la danse entre humanité et animalité, nous avons plutôt l’impression d’animaux finalement quand même en cage, obligés à être partie d’un dispositif qui avance à vide, sans but et sans un réelle force de proposition. Un sentiment opposé se dégage de la performance Abecedarium Bastiarium d’Antonia Baehr. Un spectacle surprenant pour une jauge limitée : une trentaine de spectateurs entre dans l’univers de la performeuse qui évoque des animaux disparus et des amitiés personnelles en jouant des déguisement de genre, en leur donnant un sens profond et extrêmement vif grâce au prisme de l’animalité. Les questionnements de genre – le plus immédiat est celui de la performativité cher à Judith Butler – activés par le biais du déguisement en des êtres mi-bêtes mi-travestis acquièrent dans les différentes saynètes mises en scène une vérité bouleversante, drôle et touchante. Aux antipodes d’un théâtre qui se veut pur effet tape-à-l’œil par l’éloquence facile des nappes sonores et la spectacularité des grues sur scène, la performance d’Antonia Baehr dévoile sa puissance révélatrice : à la fois pour l’artiste (révélation de son intimité, de son discours ingénieux et pénétrant, de son corps mis à l’épreuve de l’animalité et de la nudité) et pour le public (mis doucement en danger, car présent...
CCN Ballet de Lorraine, Mathilde Monnier, Alban Richard, Cecilia Bengolea et François Chaignaud, Chaillot
Il est réjouissant de suivre cette compagnie du Ballet de Lorraine comme on surveille une pépinière.
Barbe neige et les sept petits cochons au bois dormant, Laura Scozzi, Rond-Point
Si tu viens pour le hip hop, c’est léger mais si tu viens pour rigoler c’est gagné!
