Etat-critique.com

Un très bon roman qui exploite avec finesse les failles et les hontes inavouées des familles.

Ce roman n’est ni vraiment un polar, ni vraiment un thriller. Il prend place sur l’étagère des sagas familiales du grand monde. Les riches n’échappent pas aux drames du hasard. S'ensuivent alors mensonges et dissimulatons pour sauver l'image d'une dynastie... Le tragique n'en a que plus de saveur...

Ethan est le descendant d’une riche famille américaine Les Muller. Galeriste new-yorkais, il est appelé par un ami de son père, Tony Wexler, pour donner son avis sur des dessins trouvés dans un des appartements du parc immobilier familial. Ethan hésite puis suit Tony. La découverte est à peine croyable. Le dessin sur une feuille A4 est une œuvre aussi folle que belle. Mais l’incroyable demeure dans la quantité et la performance de l'oeuvre. L’appartement est rempli de cartons du sol au plafond. Dans chaque carton des feuilles remplies de dessins. Cela représente des milliers d’œuvres d’art. Derrière chaque feuille de papier un numéro qui permet à chaque feuille de prendre place sur ce qui se révèle être une immense carte mentale.

L’auteur est Victor Cracke. Malheureusement il a disparu de l’appartement. Le début s’articule autour de la recherche de cet artiste énigmatique . L’écriture prend des accents de polar quand Ethan, narrateur, est appelé par un ancien flic à la retraite. Certains visages d’enfants représentés par Victor Cracke sont les copies conformes d’enfants assassinés. Plongé dans les enquêtes passées, Ethan aidera le flic à progresser dans le dénouement de l’enquête et découvrira parallèlement que son histoire familiale est en lien direct avec bien des traumatismes et des détresses affectives d’une rare cruauté.

L'écriture est de qualité. Les analyses psychologiques des personnages, le regard sur le milieu de l'art contemporain et notre société sont pertinents. Une jolie plume. A lire.

point - 474 pages

Un spectacle surprenant, énergique et tendre, qui fait danser des acteurs, et réfléchir des spectateurs un peu décontenancés...

"L'autre", c'est la deuxième création chorégraphique de la comédienne Françoise Gillard (sociétaire de la Comédie Française). Nouvelle collaboration avec la chorégraphe Claire Richard, c'est aussi une nouvelle occasion pour ses camarades du "Français" d'abandonner leur langue habituelle (en vers ou en prose) et de s'essayer à cette chose étrange qu'est le langage du corps. Corps projeté, abandonné, maltraité, sauvé, embrassé ou porté. L'autre, c'est peut-être tout simplement le danseur pour le comédien et vice-versa.

Dans cette création, le son et la voix tiennent une place importante: Françoise Gillard a interrogé plusieurs dizaines de personnes qui ont enregistré sur dictaphone leur définition de l'autre: celui qu'on désire ou repousse, qu'on craint, etc. Leurs voix sont reproduites ici, et leurs paroles sont arrangées en une chanson originale composée par le groupe BaliMurphy: L’autre autrement et pourtant.

De ces définitions illustrées par la danse, on peut retenir: "l'autre est celui qui, à la fois, permet et empêche". Comme si, en société, les êtres étaient d'éternels enfants, qui ont besoin d'être tour à tour encouragés et stoppés dans leur élan. Ou encore: l'autre est différent, il évoque l'étranger, l'exotisme, l'aventure, et une certaine idée de la liberté. Avec l'autre qui ne nous connaît pas encore, on s'affranchit de la contrainte d'être soi, fidèle à soi-même (ou en tout cas, au seul moi qu'on se connaisse). L'autre nous révèle l'étranger en nous: tout ce qu'on ne connaît pas en soi. Et à ce titre, il ouvre une voie vers soi-même.

Le sujet appelle inévitablement à un jeu de miroirs. Une petite estrade inclinée vers la salle, recouverte de miroir devient une scène pour 2 danseuses, dans une pénombre étudiée, qui permet reflets et jeux d'ombres. Deux danseuses jumelles, l'une se découvrant dans l'autre, tandis que des percussions battent l'air crescendo. L'intime et le sauvage communiquent physiquement: la transe n'est pas loin...

La bande-son est éclectique, proposant musique électronique et chanson française, tandis qu'un comédien interprète un morceau enlevé au piano, en live. Sommet du spectacle: un ballet de mains sur une version inouïe du tube des années 80 "Voyage, voyage...": les acteurs-danseurs signent (en langue des signes) les paroles de la chanson devant des spectateurs médusés et émus.

Jusqu'au 22 février 2015

au Théâtre du Vieux Colombier à Paris (Comédie Française)

Afropéennes questionne l’identité féminine noire aujourd’hui. La pièce d’une grande richesse rassemble les textes de l’écrivaine camerounaise Léonora Miano sur les thèmes de l’émancipation, de l’héritage culturel et du poids des traditions, des relations amoureuses et de la solitude. Avec humour et énergie elle interpelle.

D’après des romans de Léonora Miano, Eva Doumbia met en scène quatre amies parisiennes de diverses origines africaines. Entre théâtre, danse et musique, elle transporte dans la France multiculturelle. Avec une Marseillaise rafraichissante !

« Léonora Miano a souhaité mon travail, elle a porté un regard dessus mais elle m’a fait confiance. La nouveauté de la pièce est qu’elle est écrite par une Afropéenne, mise en scène par une Afropéenne et jouée par des Afropéennes. Elle incarne leurs questions, leurs colères, leurs rêves. Les extraits de romans de Léonora Miano que j’ai choisis portent leur parole pour les rendre fières de leur identité.» explique Eva Doumbia, la créatrice de la pièce.

Une série de personnages nous raconte leur vie. On découvre les joies comme les souffrances d’une génération. Les quatre comédiennes s’approprient leur texte au point de laisser le doute… N’est-ce pas un récit de leur propre vie qu’elles nous livrent? Mention particulière à Alvie Bitemo qui incarne à merveille une mère puis une belle mère. Mémorable.

Afropéenne a le mérite d’interroger le public. Dans quel miroir se regarder quand les modèles de représentation pour les Noires de France sont Joséphine Baker, la Vénus noire et Beyoncé? Comment se construire avec les souvenirs de pilon, de mortier et de jumbe de ses parents quand on vit dans un quartier de Paris ? Comment concilier le poids des traditions avec l’aspiration d’une jeune femme moderne? Peut-on refuser l’héritage noir et créer sa propre histoire?

Dans le cadre d’un week-end Africaparis, le Carreau du temple se met aux couleurs et aux saveurs de l’Afrique. Créations artisanales, cours de danse, ateliers lecture et débats, contes et dégustations, une première afropéenne certainement suive de nombreuses autres!

Jusqu'au 22 février 2015

Carreau du temple

Un film d'horreur trop joli pour être honnête.

Depuis que Scream a détricoté le slasher, sous genre sanglant où des adolescents se font terrasser par des psychopathes, tout le monde sait qu’il vaut mieux être vierge pour ne pas finir découper en mille morceaux dans ce type de films !

Dans la pudique Amérique, le sexe, c’est tabou ! Gare à ceux qui s’égarent dans les plaisir de la chair ! C’est bien ce qui  intéresse le jeune réalisateur indépendant Robert David Mitchell ! Il ne fait dans la demi-mesure : si tu couches avec quelqu’un, une malédiction te tombe dessus et c’est la mort sous forme d’inquiétantes apparitions qui te suivra le reste de ta (courte) existence.

La blonde Jay en fait la terrible expérience. Son amourette avec le beau Hugh vire au drame : il lui refile la malédiction et lui explique qu’elle doit coucher avec un autre pour s’en débarrasser. Merci pour le cadeau ! Pire qu’une MST !

La demoiselle et ses amis vont donc tout faire pour contrer cette force maléfique qui rode constamment autour d’elle ! La perte de l’innocence et le pouvoir de la libido sont donc au cœur de ce film d’horreur très underground, comme si Gus Van Sant imaginait The Ring !

Un cocktail étonnant mais douteux car le cinéaste est un peu trop contemplatif et joue avec des codes visuels que l’on voit trop souvent dans les films affichés « indépendants ». Derrière son habile mise en scène, il profite donc du concept horrifique pour dénoncer au choix, l’ennui existentiel, la responsabilité des parents, la crise à Détroit ou le port des culottes bouffantes. C’est au choix !

Il réalise donc son film avec une envie de tout bousculer mais peut être au détriment du genre même. Tout ceci pourrait être qu’un prétexte à de belles images de Détroit et de beaux plans de caméra, un poil trop précieux dans ces séries B !

Il ne faut pas bouder son plaisir. C’est bien joué. Le quotidien est bien croqué. La satire hante elle aussi le film. Mais le film manque de spontanéité et d’amour pour le genre. Le postmodernisme est un peu trop appuyé. C’est un film intelligent mais qui oublie d’avoir du cœur… et des tripes à l’image !

Il a perdu son statut de DJ. Il s'appelle désormais Zebra. Il oublie un peu les bootlegs pour faire du rock énergique, presque naïf et profondément sympathique!

Ses bidouillages sont connus et célèbres. Il fut le bassiste des légendaires Billy Ze Kick et les Gamins en Folie. Au début des années 2000, il fait le succès de Oui FM avec ses bootlegs efficaces qui font rencontrer les classiques du rock et les beats sauvages. Zebra a une idée très libre de la musique et du rock en particulier.

Ce breton impétueux cherche au fil de ses aventures sonores, une émancipation et une liberté de voler sur différents territoires musicaux. On voulait le caser comme DJ: il décide de s'acoquiner avec un bagad, un groupe de musique typiquement breton. Une drôle d'idée bien farfelu. Il est appréciable de voir en tout cas un artiste oser des aventures loufoques et plutôt convaincantes.

Il refuse donc de s'arrêter à un style: aujourd'hui il fait du mambo punk. Zebra se livre sans détour. Il écrit et chante en français. Ce sont des compositions originales. C'est un rock français sans fioriture. Il s'éclate comme un petit fou derrière son orchestration classique et l'apport de cuivres dont il a toujours eu le secret.

C'est bien électrique comme il faut. Ca file la patate. C'est beaucoup moins surprenant qu'avant mais le technicien se voit désormais en vrai chanteur. Les paroles sont parfois un peu trop légères ou simplettes mais Zebra est resté un Gamin en Folie, un éternel adolescent qui a besoin de se dépenser ou se défouler. Il se lache sur un rock primitif et continue sa mue. Son épopée musicale reste passionnante, pleine de rebondissements!

Zebramix - 2015

Port de New York dans les années 20, Anna Christie tangue entre son père et son amant et donne au public  le mal de mer.

Anna Christie c’est l’histoire d’une rencontre entre un père et sa fille, deux êtres qui voudraient bien refaire le passé mais doivent s’en accommoder. A l’aube des retrouvailles, le père se nourrit d’espoir pour sa fille. Il se l’imagine fraiche, saine, vivifiée du bon air de la campagne. La voici qui arrive au port de New York, de rouge vêtue, fatiguée, aigrie des hommes. Elle rêve d’une cure de repos - qu’on peine à se représenter entre les vagues de la mer et l’alcool qui coule à flot-, elle va rencontrer Burke un marin au long cours.

Mélanie Thierry est lumineuse même si son personnage d’Anna Christie est sombre. Tiraillée entre deux hommes habités de l’appel du large, elle s’affirme dans sa liberté et les erreurs de son passé. Elle constate la lâcheté de l’homme capable de profiter des femmes de port en port mais de dénigrer la sienne sitôt qu’il apprend son passé sulfureux.

La langue et l’univers d’Eugene O'Neill sont rudes. Même si derrière l’âpreté de la vie en mer, se cache une certaine tendresse. Entre deux grossièretés et paroles violentes, quelques envolées lyriques apaisent l’oreille : «Dieu m’a fait rouler la terre entière pour me faire te rencontrer», « De t’aimer m’a rendu belle».

Mais dans le brouillard sur le pont du bateau comme dans la fumée dérangeante de cigarette d’une taverne new yorkaise, le plateau tangue. Et le public a hâte de larguer les amarres. Dommage.

jusqu’au 26 avril 2015

Théâtre de l’Atelier

Un roman intelligent, léger et drôle sur le destin croisé de deux des plus éminents génies scientifiques Allemands de leur époque : Gauss et Humboldt.

Gauss et Humboldt, ça vous dit quelque chose ? Probablement rien si vous n’êtes pas mathématicien ou, à tout le moins, scientifique de bon niveau. Pourtant, Gauss et Humboldt présentent deux qualités rares : être à la fois de purs génies et les héros, au sens plein du terme, du nouveau roman de Daniel Kehlmann.

C’est au tournant des XVIIIe et XIXe siècles que les deux hommes, qui ne se connaissent absolument pas, vont faire parler d’eux et aligner les avancées mathématiques pour l’un, les découvertes scientifiques pour l’autre.

Ils ne se rencontreront finalement que sur leurs vieux jours et c’est ce prétexte que choisi Daniel Kehlmann pour nous brosser un tableau saisissant de leurs vies extraordinaires.

Carl Gauss (1777-1855) est un pur esprit mathématique. Génie absolu, il résout dès son plus jeune âge des problèmes jusque-là restés sans solution. Se rendant vite compte que, pour une raison qui lui échappe, les gens qui l’entourent sont d’une désespérante lenteur intellectuelle, il apprend tout petit à "faire comme eux" et à ne précipiter ni ses questions ni ses réponses. Casanier et tyran domestique, il passera sa vie penché sur son écritoire ou l’œil collé à sa lunette astronomique à scruter les étoiles et calculer distances et orbites…

Alexander von Humboldt (1769-1859) est tout le contraire de Gauss. Doté également d’une intelligence supérieure, sa curiosité insatiable le pousse à quitter la vie bourgeoise pour explorer le monde inconnu le plus inhospitalier. C’est ainsi qu’il s’embarque pour l’Amérique du Sud pour y étudier, mesurer et répertorier tout ce qui lui tombe sous la main : flore, faune, sommets inaccessibles, volcans, fleuves, populations cannibales… rien n’échappe à son besoin maladif de voir, compter, classer.

Succès éditorial phénoménal en Allemagne en 2008, Les arpenteurs du monde est un roman enlevé et proprement jubilatoire. L’auteur nous y fait longuement côtoyer le quotidien aventureux de deux hommes totalement immergés dans leur folie monomaniaque et absolument étrangers aux modes de fonctionnement de leurs semblables. Sous la plume légère et irrésistiblement drôle de Kehlmann, Gauss et Humboldt sont d’extraordinaires personnages dont le comportement provoque sans cesse l’étonnement et l’amusement.

Un beau roman historique qui réconcilie définitivement les chiffres et les lettres !

298 pages - actes sud

Ivanov est le nom de famille le plus commun en Russie. Nicolas Alexéevitch Ivanov c’est donc un peu notre Bernard Dupont. Un homme commun, mais qui souffre d’un terrible mal, une fatigue de tous ses membres, tellement inexplicable pour lui et ceux qui l’entoure, qu'elle en est encore plus culpabilisante.

Écrite en 1887, la pièce est d’une modernité intacte. Les dialogues de Tchekhov, incroyablement percutants et son analyse des comportements humains, d’une justesse presque effrayante.

Mais la représentation d’Ivanov, actuellement à l'affiche du Théâtre de l’Odéon, ne convainc pas complètement. Surtout portée par l'excellent jeu de Mischa Lescot, elle souffre d’une scénographie trop statique et froide, nous tenant presque à distance alors que, sur scène, les comédiens s’agitent.

Rien ne bouge à part un changement à vue, dirigé par les acteurs eux-mêmes, à la tête desquels on trouve Christiane Cohendy, en superbe Mme Lebedev. Pas une porte ne claque, pas un lustre ne se balance, pas un rideau ne se froisse et la troupe de comédiens se démène au milieu d’une scène froide et lointaine.

Était-ce pour donner à  voir toute la pièce à travers le prisme angoissé et sombre d’Ivanov ?

C'était sans compter sur l'excellente performance de Mischa Lescot. Car tout, dans sa démarche, sa silhouette, sa diction, ses interminables bras ballants et ses jambes trop encombrantes, exprime sa souffrance. Le moindre mouvement lui est une fatigue, toute envie l’a quitté. Tout en lui n’est plus qu’apathie, nonchalance. Il avance écrasé par le poids de ce cafard inexplicable, de sa "faiblesse ridicule".

Il est l’incarnation de la dépression à une époque où  les psychanalystes ne parvenaient pas encore à la définir, et atteint des extrêmes tellement touchants et désespérants qu’il en devient parfois comique. Le reste de l’épatante troupe d'acteurs (on se régale particulièrement de Christiane Cohendy, Chantal Neuwirth et Yannik Landrein), dépeint également avec brio la médiocrité de la petite bourgeoisie de campagne, sa vanité ridicule et ses cruelles bassesses.

Dans ce monde de vils hypocrites, Ivanov ne peut être qu’un intrigant. Alors, cet Ivanov, brave Mr Dupont ou Tartuffe ? Allez en décider au Théâtre de l’Europe.

MP1point2 pourrait réconcilier les rappeurs et les bidouilleurs d'électro. Un son frais qui annonce l'énergie des saisons plus chaudes. 

Car au milieu de ce morne hiver, les chansons scintillantes de MP1point2 font du bien aux oreilles et au coeur. Voilà donc un petit rap sans prétention et adepte des mélodies plutôt que des beats ultra-usés des radios commerciales. On ouvre ici le petit paragraphe pour dire que le rap français aujourd'hui ce n'est pas la gloire. Les bardes de la banlieue s'engluent dans leurs propres clichés. Trop de bling bling. Trop d'idioties sexistes. Trop de réflexions d'arriérés. Trop de flows réactionnaires. Le beaufitude ronge souvent le rap made in France. Fin du paragraphe.

Les 400 coups donne de l'espoir. On appréciera donc les deux  rappeurs de MP1point2, avec leurs accents chantants qui rappellent les voix d'IAM et qui semblent avoir la même vision satirique et nuancée que le groupe marseillais. Ils ne se limitent pas à quelques préjugés. Ils cognent sur tout avec une légèreté qui fait plaisir à entendre.

Ils ont sûrement fait les 400 coups mais les deux MCs et leurs deux DJs réalisent presque un coup de maître. Ils passent certes après Java ou M.A.P mais leur style est rafraîchissant. C'est intelligent car la facétie sonore permet de suggérer quelques vérités sur la société sans être dans l'attitude rebelle et révoltée. Leur mentalité est bonne et réjouissante!

Favo, MM, Riot et Le Z sont des garnements, assez lucides et des vrais musiciens. On apprécie la qualité des mélodies et le sens de la musicalité. Les beats ne sont pas martelés et se glissent des instruments délicats et des refrains entêtants. C'est un hip hop coloré et libre. Les 400 coups simplifie les musiques urbaines sans les abîmer: c'est le mix idéal des cultures. C'est le genre de disques que l'on peut entendre au moins 400 fois!

Bajo el Mar - 2015

Une incroyable épopée au cœur de la misère. La flamboyance est spectaculaire et nous entraine dans une tempête des mots qui donne le tournis. Vent de folie!

Ca se passe en Argentine. Erdosain est un minable employé accusé d’être un voleur par ses patrons. Le même jour, il voit sa femme se barrer. Il devrait être au fond du trou mais il a d’étranges fréquentations qui vont lui redonner espoir.

Il est proche de l’Astrologue, un vieux monsieur qui a un projet secret qu’ils imaginent grandiose. Cela ressemble effectivement à de la folie. Le livre date de 1929. Roberto Arlt, son auteur, a défié les conventions de l’époque en observant avec une liberté totale les bas fonds de Buenos Aires.

Autour de ce héros médiocre vont se bousculer d’étonnantes ombres, parfois grotesques, souvent inquiétantes. Ils ont des noms bizarres comme le Major, le Ruffian Mélancolique ou L’homme qui a vu l’accoucheuse.

Ils sont sept et vont rêver de créer une société secrète sur le modèle du Klu Klux Klan. Elle serait financée par des maisons closes. Elle leur permettrait de prendre une revanche sur la société et surtout réaliser leurs rêves frustrés.

Ces hommes sont des dingues et le texte se nourrit de cette folie, de cette hargne. Les phrases sont longues et glissent sur les névroses de chacun. Très vite, la réalité décolle de la déchéance et la pouillerie.

Le lyrisme transcende le malheur et la méchanceté. Les convenances sont bousculése. Les sept fous adopte tous les styles et tous les langages. Le travail de traduction fut redoutable. Les traducteurs offre une introduction qui explique la particularité de l’écriture de Roberto Arlt, qui lui aussi ne fut pas gâter dans sa vie.

C’est un texte énervé mais terriblement vivant, une sorte de tango verbal obsédant et délirant. La décadence se donne des allures de grandeur. C’est aussi exotique qu’incandescent. Moderne, ce livre est aussi irracontable que jouissif. On finit lessiver mais heureux. La folie chatouille le romantisme et l’écriture surréalisme. C’est tout simplement beau… et fou bien évidemment !

le film adaptation des années 60:

Belfond - 371 pages