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"Les  Mondes perdus", cette BD qui vous emmène au fin fond de la jungle, à la recherche de trésors archéologiques, est pas mal : les dessins sont jolis et l'univers est bien. Un jour, Amélia (fille d'un explorateur) réussit à convaincre son père de l'emmener avec lui en exploration. Lors d'un bal, on découvre qu'elle a été adoptée. Apparemment, ses parents sont morts. Mais son père adoptif ressemble beaucoup à son "vrai" père. Est-ce le même, ou une simple ressemblance ? J'espère que les prochains tomes en diront plus sur son passé et son avenir car je n'ai pas tout compris, et cette ressemblance m'a un peu gênée dans ma lecture. J'ai bien aimé cette BD, mais pas adoré non plus !

Norma (10 ans)

Paru le 15 mars 2024
chez Dupuis
Aucha (scénario) | Isabelle-Lemaux-Piedfert (illustrations)
80 pages | 14,50€

J'ai bien aimé le scénario et conseillerais ce livre à ceux qui aiment le dessin et la peinture car c'est le thème de cette BD. C'est l'histoire de Malo, un enfant qui rêve est de devenir un peintre célèbre, comme sa grand-mère. Tous les deux, ils se font kidnapper par les Pirates Écarlates qui ont pour mission de colorer le monde pour l'égayer. Mais leur capitaine poursuit-il vraiment le même but ?

Les dessins sont expressifs et même ma petite sœur de cinq ans a pu comprendre l'histoire sans savoir lire. Le dessinateur, Léo Verrier, fait bien ressortir les éléments importants. Il met souvent les personnages en gros plan au centre de la case, il les dessine très bien et les met en avant grâce à des couleurs vives qui contrastent avec le fond, généralement plus pastel. Je trouve juste un peu dommage qu'il n'y ait pas beaucoup de détails dans le dessin.

Norma (10 ans)

Paru le 18 janvier 2024
chez Jungle, Jeunesse
107 pages | 17,95€

On va foncer tout de suite vers le duo Californien de Brijean. Un havre de paix qui convoque Burt Bacharach ou la French touch. Ce qui est sûr, c’est que c’est divertissant et cela nous fait roucouler entre le temps orageux et les vagues de fraîcheur.

Brijean Murphy et son ami Doug Stuart vous invitent au bord d’une plage où seul le plaisir compte. Les deux sont doués pour vous offrir un moment calme et satiné. C’est joli comme tout. Tout est feutré. On se rêve en dandy dans leurs chansons sucrées. C’est totalement inconséquent mais c’est vrai que c’est fait avec un goût certain. Un vrai cocktail acidulé.

On passe à autre chose avec Vaï vaï vaï de l’Orchestre National de Syldavie. Ici, on laisse tomber les lunettes de soleil et on s’emporte comme dans un film d’Emir Kusturica. On danserait bien avec une oie. Là, nous sommes à la noce avec des musiciens généreux, passionnés, entre modernité et joie de vivre.

Le violon et l’accordéon ne se laissent pas aller au flonflon. Les cinq musiciens vont tout faire pour vous dégourdir les jambes avec une passion pour les sons de l’Europe de l’est. On est plus dans l’ambiance “retour à la vie”. C’est d’une énergie incroyable. C’est virevoltant. Ça fait danser les petits et les grands. La franchise est de mise. C’est un appel à la fête pour boire, se raconter, partager et s’amuser.

On est loin du Spritz parisien mais on s’en fout, la musique nous entraîne dans un vent de joie, de panique et de sons absolument détonnants. On veut festoyer jusqu’au bout de la nuit. Envie de boire. Envie de danser. Envie d’aimer. En vie tout court. Un Danube de vodka et on remet ça ?

Sinon il y a de la bonne bière, rafraîchissante. Et pour cela on vous conseille l’excellent live de Atomic Ping Pong. Là, on est aux frontières des styles. C’est drôle, acrobatique et enivrant. Le groupe est aussi léger qu’il sait multiplier les ambiances et dire les choses avec un humour incroyable.

Il s’agit de la version 2024 de Clara et les Chics Types, ce film des années 70 qui célébrait la musique et le plaisir d’être ensemble. Les musiciens vont chercher le public pour leur présenter un mélange de genres très joyeux. Il y a de la politique, du concret et des rythmes irrésistibles pour raconter tout cela.

C’est de la musique de carrefour. Les musiciens s’éclatent. Effectivement c’est une partie de ping pong entre les styles et les instruments. Ça groove avec les moyens du bord. Entre la France et le Canada, il y a d’autres frontières mais elles explosent toutes. On se marre. Ça rigole. C’est terriblement joyeux. Et même une bière chaude ne va pas gâcher votre plaisir.

Bien sur toute cette musique est à consommer sans aucune modération.

Ça faisait sept ans que le monstre le plus hargneux du cinéma américain n’avait pas fait son fameux sourire fatal. Ridley Scott lui-même avait sabordé la franchise et c’est un petit artisan qui tente de la sauver…

Avec son Alien Prometheus et son Alien Covenant, le papa fondateur de la saga avait vraiment fait du n’importe quoi. Avec du style certes. Mais que de maladresses ! Maladresses que l’on pardonnera à ce vieux routard du cinéma hollywoodien.

Occupé avec ses productions pompeuses, Ridley Scott n’est plus trop en forme alors il passe la main à un valeureux réalisateur, Fede Alvarez. Lui, c’est plutôt dans la série B horrifique qu’il travaille et il compte bien faire la même chose avec Alien : un petit film d’horreur.

C’est ce qui surprend au début: on n’est pas du tout dans le gros machin industriel. On découvre au fil des minutes, une très belle humilité de la part de celui qui avait déjà commis l’ambitieux remake de Evil Dead.

Mais ici, il respecte les bases des deux premiers opus et va allègrement faire référence aux autres films. Pour un résultat mitigé mais encourageant. Le film déçoit dans son obsession des clins d’œil. Les détails se multiplient à l’écran au point de ne pas servir la tension du récit, qui reprend en gros la même forme que le film de Scott ou de Cameron.

Des jeunes colons rêvent d’un avenir meilleur sur une autre planète. Ils décollent pour arriver sur une station qui pourrait les aider à réaliser leur rêve. Tant pis pour eux, ils ne savent pas que dans l’espace personne vous entend crier et ils vont littéralement hurler face à nos monstres baveux ravis d’avoir un menu offert au milieu de nulle part…

Mais Alvarez réussit tout de même à transcender le film de couloirs sombres où se perdent les personnages en attendant le monstre. Il dose avec un certain plaisir les passages obligés et les scènes d’action qui sont franchement réussies.

Il a la bonne idée aussi de ne pas montrer constamment le fameux xénomorphe. On retrouve un peu le côté iconique et médiéval du premier opus. Il croit assez naturellement à la force des effets spéciaux mécaniques et met tout en place pour y parvenir. 
Il retrouve ce goût pour l’horreur organique et ça fonctionne grâce à sa réalisation assez astucieuse. Plutôt que des beaux effets spéciaux, il fabrique une atmosphère cinglante, avec même un message politique, en s’appuyant sur la lumière, les décors ou le son. Ça pourrait donc s’apparenter à du vrai cinéma.

Hélas, la fin est décevante et laisse un petit goût amer. Mais il y a de très bonnes choses dans cette série B. Une vraie passion pour le mythe et la bête se ressent. Si le film est pris pour ce qu’il est, une honnête déclaration d’amour à Alien, alors ça passe… en attendant le prochain!

Au cinéma le 14 août 2024
avec Cailee Spaeny, Archie Renaux, Isabella Merced et David Jonsson
20th Century Fox - 1h59

Mais oui mes amis, pourquoi imiter les Américains quand on a de si beaux produits dans nos belles régions? La France est fière de son patrimoine. Après les Trois Mousquetaires, Alexandre Dumas va encore sauver le box office français et le soft power bien de chez nous !

Donc Pierre Niney de la Comédie française et des bons succès d’ici, sera l’énigmatique Edmond Dantès. L’acteur fera des galipettes et prendra un air grave quand il le faudra. Il sera aussi terrifiant qu'intriguant.

Autour de lui, le casting sera aux petits oignons. Laurent Lafitte de la Comédie francaise va jouer de ses sourcils pour vous montrer qu’il est mauvais. Bastien Bouillon, César du meilleur espoir, prouve aussi qu’il a toujours encore du chemin pour être un vrai méchant. Enfin Patrick Mille vieillit bien et joue très bien les enflures. Le trio ne manque pas d’élégance pour pourrir la vie du pauvre Edmond Dantès.

Anaïs Demoustier apporte un peu de nuances à tout cela mais elle se fait avaler par les décors, les costumes, la musique… Ça ne lésine pas : ce Comte de Monte Cristo dure presque trois heures mais c’est un vrai musée à visiter.

Car finalement cette histoire est dans nos gènes. Alexandre Dumas a inventé le stéréotype de la vengeance et de son application. Pas étonnant que les Américains adorent cette histoire d’un type qui trouve les moyens (financiers) de se rendre justice tout seul et contre toute morale. Effectivement il y a quelque chose de très jouissif dans tout cela et les réalisateurs s’en donnent à cœur joie avec une mise en scène très dynamique à défaut d’être surprenante.

Tout ceci est bien fait. Mais ça manque un peu de profondeur et d’esprit. On sent bien le film préparé pour une carrière internationale avec tout ce que l’on aime de notre beau pays. Les clichés pleuvent mais il est vrai que c’est assez bien fichu.

Et bizarrement, on repense à une version américaine, celle de Kevin Reynolds, en 2002 petit artisan indécis, qui avait réussi avec des moyens plus limités, une synthèse plus radicale et féroce du gros roman d’Alexandre Dumas… Si ça vous intéresse jetez y un coup d’œil… c’est peut être plus vibrant finalement.

Au cinéma le 28 juin 2024
Avec Pierre Niney, Laurent Lafitte, Anais Demoustier et Patrick Mille
Pathé - 2h58

Deadpool n'est pas un super héros comme les autres. Il fait des blagues tout le temps et se fiche du politiquement correct. Du moins, c’est ce qu’il donne à croire. Deadpool a des punchlines crades mais derrière tout cela il a un vrai sens de l'amitié et ferait tout pour sauver son premier amour. A l’heure actuelle beaucoup de commentaires vont diront comment Deadpool est trash mais ces personnes là ne connaissent sûrement pas un type comme John Waters. Ou Bertrand Blier.

Deadpool se moque de Marvel et fait des blagues qui, effectivement, le placent dans une situation à part: le méta film de super héros. Ce qui donne des moments sympas dans ce troisième épisode: il ressuscite des vieux tocards super héros comme Blade ou Elektra. Si vous n’avez jamais vu de film de super héros, vous pouvez abandonner ici.

Car le troisième opus de Deadpool ne fera que cela : citer des références obscures et parfois amusantes à toute la saga Marvel et autres. Les navets. Les projets avortés. Les bides et les succès, bien entendu.

Donc pour faire cela, il faut raconter une histoire. Deadpool 3 ne va pas faire cela: il va juste accumuler les détails, à défaut de construire un récit. Le spectateur est donc prié de se limiter au nombre de références et de clins d’œil à toute la culture super héros. Pour avoir une histoire avec de l’émotion, vous devrez peut-être attendre le prochain volet.

Pourtant sur le papier, le buddy movie à la sauce super héros déconnants, ça donnait une grosse envie. D’un coté, le gros bavard de Deadpool. De l’autre, ce nihiliste de Wolverine. Au milieu, bah pas grand chose.

Deadpool dit des gros mots. Wolverine grince des dents. Et puis c’est à peu près tout. Ils ne peuvent pas se blairer mais finalement se trouvent des points communs et, au bout de dix mille batailles, avec du faux sang généré par ordinateur, les deux larrons se disent qu’avoir un bon copain, c’est ce qu’il y a de meilleur au monde.

Le scénario est un immense courant d’air qui fait du bien en période de canicule mais effectivement les neurones peuvent être emportés dans une tempête de grand n’importe quoi.

Alors oui, c’est marrant de voir Hugh Jackman jouer différents Wolverine. Oui il y a une certaine clairvoyance dans les répliques de Deadpool qui dénigre l’univers Marvel. Mais bon, en réalité, on voulait juste un simple film divertissant ce que n’est jamais vraiment Deadpool & Wolverine.

Le film souffre comme les dernières productions d’un design dégueulasse, des effets spéciaux faciles, d’une bande son répétitive et surtout d’un récit décousu qui ne tient personne en haleine. Et quand on apprécie les deux personnages, assez iconiques, on se dit juste que c’est dommage !

Mais quand il fait très chaud à l’extérieur ou que les vacances autorisent quelques écarts, ce film n’est pas si mauvais. Il est nul mais frais si on compare aux désastres industriels de Marvel… 

Au cinéma le 24 juillet 2024
Avec Hugh Jackman, Ryan Reynolds, Emma Corin et des stars qui font des blagues
Marvel Studios - 2h02

En 2045, les USA n'existent plus. Ils ont été remplacés par d'un côté une République réunissant les états côtiers (est et ouest) et de l'autre une Confédération des états continentaux (les "Fly over", titre original du roman). Le scénario de cette Amérique divisée entre progressistes et conservateurs religieux semble très séduisant.

Malheureusement, au lieu de traiter du sujet, Douglas Kennedy se focalise sur son personnage de Samantha Stengel, agente secrète pour la République envoyée en mission pour tuer sa sœur, agente à la solde de la Confédération. Deux sœurs ennemies pour symboliser un pays où la fraternité régresse, c'est assez lourdingue comme procédé.

Ce n'est pas un roman d'anticipation, c'est un vulgaire thriller dont l'intrigue est assez médiocre et totalement prévisible. D'ailleurs, l'auteur en est tellement conscient qu'il le formalise: "Apprendre que c'était toi derrière le masque - toi, ma demi-sœur en mission pour me tuer... c'est à la fois incroyablement cliché et vraiment tordu." (page 420).

Kennedy n'a pas travaillé son sujet. Il fait l'impasse sur les technologies du futur, se contentant d'imaginer qu'on implantera une puce électronique aux individus et que les espions disposeront de masques leurs permettant de changer d'identité sans être reconnus (c'est tellement innovant qu'on voyait déjà ça dans les romans d'Alexandre Dumas ou dans Fantomas !). J'ai vraiment regretté que le livre n'ait pas été plutôt écrit par Marc Dugain qui aurait donné toute son ampleur à cette dystopie.

Avec Kennedy, il n'y a pas que les technologies qui sont dépassées (c'est vraiment l'an 2000 des années 80 !), les références aussi sont datées. A en croire l'auteur, en 2045, on ne s'intéressera qu'à des vieilleries en noir et blanc des années 1950. Mais oui bien sûr...

Pour faire bonne figure, Douglas Kennedy patine tout ça d'un vernis philosophique peu convaincant.
"A l'image des cellules biologiques qui nous composent, il est dans notre nature de nous diviser. L'histoire de l'humanité, individuelle et collective, n'est qu'une longue succession de schismes et de ruptures. Nous brisons nos familles, nos couples. Nous brisons nos nations. Et nous rejetons la faute les uns sur les autres. C'est un besoin inhérent à la condition humaine: celui de trouver un ennemi proche de nous afin de l'exclure en prétextant ne pas avoir le choix.
Vivre, c'est diviser" (page 448).

Amen !

Paru en poche le 06 juin 2024
chez Pocket
Traduction (anglais USA) Chloé Royer
456 pages

Pour mon plus grand plaisir, le hasard a mis sur mon chemin Ce qui nous tue de Tom McAllister. Je n'avais jamais entendu parlé ni de cet auteur, ni de ce livre au titre bizarrement traduit puisqu'il s'intitule en anglais How to be safe (qu'on pourrait traduire par Comment s'en sortir). Un livre de 2021 qui reste terriblement d'actualité et qui aurait mérité un grand succès.

Toute la ville de Seldom Falls, petite bourgade de Pennsylvanie autoproclamée "LA VILLE LA PLUS AIMABLE D'AMERIQUE" (page 25) est sous le choc après qu'une tuerie de masse a lieu au lycée. Professeure récemment renvoyée du lycée car trop peu conventionnelle, Anna Crawford, voit les forces spéciales débarquer chez elle et la ranger au titre des suspects potentiels.

Avec son humour noir, la narratrice un brin parano dénonce le cynisme des politiques qui déclarent la guerre aux armes (sic) et utilisent la tragédie à leur avantage.

"Les politiciens adoraient les petites villes. Ils croyaient qu'on passait notre temps à manger de la tarte aux pommes et à agiter de petits drapeaux à l'église. Ils n'aimaient pas penser au fait que tout le monde prenait des opiacés, avait un boulot ingrat et vivait constamment dans la peur. Leur amour pour une vision idéalisée de l'Amérique profonde était pervers. Tandis qu'on mourait, ils s'enrichissaient sur notre dos en nous félicitant pour notre résilience. Ils s'arrêtaient pour boire une bière avec un gars du coin. Ils promettaient que, la prochaine fois qu'ils viendraient, ils apporteraient la prospérité." (page 129)

Bien que rapidement innocentée, Anna est toujours harcelée par des chaines d'info qui surfent sur le sensationnalisme. "L'appétit des médias (...) était insatiable. Ils avaient besoin d'images de mort pour rester en vie". (page 196).

Au gré de ce roman assez court et terriblement percutant, Tom McAllister évoque la difficulté qu'il doit y avoir à vivre dans l'Amérique profonde lorsqu'on n'est pas un homme blanc viril, pro-life et pro-armes.
J'ai beaucoup ri en lisant ce livre tant le regard de la narratrice est féroce, drôle et acerbe. Le virilisme - et la violence qu'il véhicule - en prend pour son grade. Savoureux !

Paru en poche le 18 février 2021
chez 10/18 Littérature étrangère
traduction Anne Le Bot
237 pages | 8€

Cette pièce de théâtre est très comique et bien jouée.

Trois metteurs en scène se moquent d'Irénée en lui disant: "tu es fait pour le cinéma !" (son rêve !). Françoise, l'une des trois metteurs en scène, le prévient que c'était une farce, mais il ne la croit pas. Les deux autres continuent à l'humilier, jusqu'à ce qu'il comprenne.

Il se retrouve alors dans des "petits emplois", mais Françoise le pousse à jouer dans un film. Va-t-il réussir, ou est-ce que ce sera une catastrophe ?

Norma D., 10 ans.

Le 24 juillet 2024
Théâtre Galli, 83110 Sanary-sur-Mer
Festival de théâtre à Sanary

Je ne vais pas vous dire d’éteindre vos portables, vos ordis et vos réseaux, sinon vous ne lirez pas cet article. Mais en cette période estivale, voici quelques musiques qui vont vous faire totalement décrocher.

Pourtant Human Cocoon n’est pas un disque léger. La pianiste Beyza Yazgan a produit son disque en pensant aux tremblements de terre en Syrie et en Turquie. Bouleversée, la jeune femme s’est concentrée sur des pièces simples, douces et évocatrices.

Au point de rivaliser avec un Keith Jarrett en concert. La virtuosité n’empêche jamais l’émotion. L’exécution des chansons répond à une vraie urgence d’écriture, de se retrouver entre mille mauvaises nouvelles.

Il y a quelque chose d'existentiel dans son style. Human Cocoon est d’une beauté sèche qui va pourtant droit au cœur entre classique et jazz. On se met au rythme de la pianiste. La grâce se devine au fil des pièces complexes et qui s’ouvrent petit à petit. C’est un joli labyrinthe qui se visite et où on aime se perdre pour oublier les bruits du monde.

Ce que propose aussi Ezra Feinberg, ancien adepte de la musique psychédélique devenu un hédoniste de la mélodie reposante. Mais pas ennuyeuse. On est loin de la musique d’ascenseur.

Le musicien lorgne un peu sur la new age vintage mais il faut bien avouer que sa musique est caressante et nous demande simplement de nous arrêter. Est-ce un geste politique de nous suggérer de rompre avec un rythme effréné? Les instruments se conjuguent ici pour former un barrage au stress et au surpassement.

D’ailleurs ce n’est pas pour rien que le disque se nomme Soft Power. On retrouve les bons vieux effets du new age avec des synthés cosmiques, des flutes naturelles et un petit fond de jazz à la Herbie Hancock des années 70 : le résultat est évidemment au delà de nos fades quotidiens. Le disque nous emmène vers de jolies utopies et des pensées positives. Un petit cour de Yoga musical en quelque sorte.

Un peu plus stressante mais d’une vraie beauté minérale est la musique du film japonais Le Mal n’existe pas / Evil does not exist, sorti en avril sur nos écrans. Une fois de plus, elle marque la collaboration entre le réalisateur Ryusuke Hamaguchi et la musicienne Eiko Ishibashi. Leur travail commun faisait le charme de Drive my Car en 2021.

Une fois encore, il y a un piège dans ce disque comme les deux autres. Nous sommes aux frontières de styles différents. Sans un mot, l’émotion existe dans le mélange des genres et la beauté qui en sort est vraiment singulière. Ayant travaillé sur plusieurs continents, l’artiste touche à tout avec une vraie dextérité et un plaisir à susciter la surprise.

Brian Eno n’est pas loin. C’est exactement ce que l’on peut attendre de la musique contemporaine. Elle explose nos habitudes. Elle déroute mais ici elle séduit avec ses choix érudits parfois étonnants. En bonne musique de film, se trouve dans les morceaux une tension qui charpente l’ensemble. Avec des idées minimalistes qui se superposent, on se retrouve dans une atmosphère hypnotisante. Une fois encore, à la fin, on a tout oublié sauf l’envie de recommencer encore: découvrir des sons étonnants et qui nous sauvent de la vitesse étourdissante du Monde… bonnes vacances!